GENEROS MUSICALES

EL VALLENATO

¿Es el vallenato un ícono colombiano? Para saberlo conviene primero aclarar que ícono es un signo que representa un objeto y, en términos más generales, un símbolo de algo. En cuanto a que sea símbolo de Colombia, habría que explorar no sólo cómo lo vemos los colombianos, sino cómo lo perciben los extranjeros respecto a nuestro propio país. 

Un revelador detalle sobre la posible condición icónica del vallenato es que resulta difícil hallar en la prensa internacional a alguien que lo escriba con 'be'. Hace años, cuando esta música empezaba a recorrer los caminos internacionales, era frecuente que la confundieran -ortográficamente hablando- con el hijo de la ballena. Nadie, salvo los colombianos, estaba enterado de qué diablos era el vallenato. En cambio, muchos sabían, por sus lecciones de historia natural, que la cría del mayor de los cetáceos lleva por nombre un derivado del sustantivo materno. Así, pues, no era raro toparse con un titular de prensa que hablaba de "la popularidad del ballenato en Colombia". Los zoólogos se emocionaban con la sabiduría y la nobleza de ese pueblo que rendía tributo a las colegas de Moby Dick. Sólo al adentrarse en la noticia descubrían que el objeto de tanto cariño no era un gigantesco mamífero, sino cierta música de acordeón, caja y guacharaca. 

Ya esto no ocurre. Ya no hay sorpresas. En los periódicos internacionales escriben "vallenato" cuando quieren hablar de la música, no del animal, y llegará el momento en que alguien cometa por primera vez el error de ortografía inverso y utilice la palabrita para nombrar al cachorro de la ballena: "Mascota del acuario de Oslo da a luz tres hermosos vallenatos". La fama del vallenato es amplia y evidente. En muchas tiendas de discos de España y América Latina aparece con un distintivo especial (ya no se le confunde con la salsa ni con un vago apartado de 'tropicales'); como si de mariachis se tratara, aparecen conjuntos vallenatos hasta en Madrid y en México; los Grammy han creado una categoría especial para este ritmo, que son cuatro aires en Colombia -son, paseo, merengue y puya- pero que en el exterior se celebra como uno solo. 

Entre otras señas de identidad, todos los países tienen un símbolo musical. El de Argentina es el tango; el de España, el pasodoble; el son es el de Cuba; la tarantella, el de Italia. No suele ocurrir que ese símbolo cambie. Los símbolos, para serlo, necesitan estabilidad y perdurabilidad. 

En Colombia ha ocurrido una situación muy peculiar. Durante largos años, el bambuco fue el ícono de la música nacional; un ícono que llegó a figurar en alguna zarzuela española; que se hizo famoso en América; que fue interpretado por célebres soneros cubanos; que influyó en México, hasta el punto de que existe aún, o existió hasta hace poco, un festival del bambuco en Mérida; que conoció grabaciones en Nueva York y que inspiró composiciones a músicos no colombianos, como Álvaro Carrillo y María Teresa Vera. 

En la primera parte del siglo XX, sin embargo, la cumbia empezó a desplazar al bambuco: tambores contra cuerdas. Y ganó la cumbia, como lo narra el antropólogo británico Peter Wade en un excelente libro (Música, raza y nación: música tropical en Colombia). En efecto, poco a poco los colombianos mostramos nuestra definitiva predilección por los ritmos de la costa Atlántica. Y, lo más importante, los países vecinos aceptaron el cambio de embajador. Fue así como se desmontó la representación del bambuco, y la cumbia pasó a ser el ritmo característico de los colombianos. Surgieron hijas de la cumbia en los países andinos, y en torno a una forma bastante plana de cumbia -más chucuchucu que cumbia-, se creó toda una cultura proletaria en Argentina. 

Ocurría ello en los años 60 y 70, por la misma época en que el vallenato empezaba a pujar en pos de un sitio importante en el mercado nacional del oído. Su condición narrativa, la sencillez de su triada instrumental, su representatividad étnica y una dosis importante de buena prensa permitieron que la música de acordeón saliera de fondas y caminos y ocupara clubes, salones, estudios de grabación, casetas y estadios. Conjuntos e intérpretes como Guillermo Buitrago -en los primeros tiempos- y luego Bovea y sus Vallenatos, el Binomio de Oro, los Hermanos Zuleta, los Hermanos López, Jorge Oñate, Alejo Durán, Colacho Mendoza, Diomedes Díaz, Alfredo Gutiérrez y Los Betos (por sólo nombrar algunos de los más comerciales) contribuyeron a la difusión del vallenato en todo el país. Luego se encargaría Carlos Vives de pasearlo por el extranjero, y las obras de Gabriel García Márquez le suministrarían el sostén mítico al que debe su reconocimiento como elemento cultural y literario. 

Hemos llegado al punto en el que el vallenato se ha consolidado como símbolo de la música nacional. Es difícil no reconocer que él heredó ya la carga representativa que antes tuvieron el bambuco y la cumbia. Se trata de un ícono que provocó un terremoto semiológico inesperado y que derrotó incluso la propensión ortográfica por la 'be' labial. Lo logró y lo merece.

SALSA

En los años 70, Cali pasó de ser una pequeña ciudad a una gran metrópoli. Fue en este instante donde se definieron su identidad y sus rasgosculturales. Fue el momento, además, que aprovechó la salsa para penetrar y quedarse para siempre en esta ciudad. Es así como Cali adopta la salsa como propia, convirtiéndose en un fenómeno, cultural, musical y comercial.

En un principio la salsa solo tuvo acogida en los estratos populares, pero pronto logró ingresar en los clubes de la alta sociedad. Poco a poco, Cali comenzó a aportar con una gran variedad de conjuntos de salsa a través de orquestas tradicionales, todas con composiciones propias y aplicando el nuevo estilo de salsa.

El estilo de baile caleño tiene una peculiar procedencia. Un día un discómano, por accidente (o quizás porque se le ocurrió), aceleró las canciones en los discos de vinilo. De 33 revoluciones por minuto, cambió a 45. Lo que hizo fue apresurar la perilla del tocadiscos, obteniendo un ritmo más rápido y agitado que el tradicional. El cambio confundió a los bailarines, pero asumieron el reto de tratar de bailar la salsa a tal velocidad. Su éxito fue inmediato y la música se difundió en todas las discotecas.

Con la llegada de la orquesta de Richie Ray a Cali, la gente da a conocer su preferencia por bailar aceleradamente la salsa. Por ello, las orquestas debieron comenzar a realizar modificaciones para los toques en vivo, acelerando también sus canciones. Dicha situación otorgó un sello propio al baile de la salsa caleña: el estilo rápido y acrobático. Los bailarines de salsa mueven sus piernas en no más de 40 cm².

A partir de 1974, surge el “Campeonato mundial de la salsa”, donde se comenzó a ver el baile con otros ojos, convirtiéndose en un fenómeno nacional y que llevó a la salsa a diferentes escenarios mundiales. Rápidamente, pasó de ser una fiebre de salón a una profesión, remunerada y respetada.

La capital de la salsa

En 1982 nació el apelativo para Cali de la “Capital mundial de la salsa” puesto que entre otras cosas, la gente se había aprendido a la perfección el abecedario de la música cubana. Conocían todos los temas e intérpretes puertorriqueños, neoyorkinos y por supuesto colombianos. En ningún otro lugar se bailaba tanta salsa como en Cali. Este ritmo llegó, se quedó y se patentó como baile típico de los caleños.

“La salsa caleña está muy bien posicionada. Muchos artistas puertorriqueños están haciendo sus producciones aquí y utilizando músicos colombianos”, asegura Sanín Fernández, 34 años, un joven músico, compositor de salsa y productor de la orquesta Kenabele.” Incluso, cantantes como el famosísimo Mark Anthony, han trasladado su residencia a Cali para hacer trabajos musicales de calidad.

En Cali hay más de 80 agrupaciones de salsa. El entusiasmo por hacer música llegó a tal punto que las mujeres también fundaron sus orquestas femeninas. Asimismo, existen más de 40 escuelas en los barrios populares entre adultos y niños.

El máximo representante de la música de Cali ha sido el Grupo Niche, una orquesta que toca salsa. Además, existe un “himno musical” que identifica a Cali y mediante el cual los caleños se sienten representados: “Cali Pachanguero”.

“El caleño escucha un instrumento musical y no lo deja pasar”, asegura Luis Eduardo Hernández, “El Mulato”, uno de los mejores bailarines de salsa caleña. Con muchos premios en competencias realizadas en Puerto Rico y EE.UU., El Mulato asegura que “los cubanos y puertorriqueños no lo registran, ya que ellos bailan en segundo tiempo”, explica.

Diana Vargas, una bailarina de salsa de 30 años, dice: “Todos nos preguntan cómo hacemos para movernos tan rápido, pero la respuesta es que llevamos la salsa en las venas y desde niños nos inclinamos por aprender a bailarla así”.

La salsa caleña de hoy

La salsa prevalece como un ritmo musical característico de la ciudad y como uno de sus patrimonios culturales y económicos más importantes, conservando el título de “Capital mundial de la salsa”, a pesar de la influencia de otros ritmos modernos como el rock y el reggaeton. Y a la hora de bailar los caleños tienen pocos rivales: en 2012, y por segundo año consecutivo, se coronaron campeones mundiales en Las Vegas, EE.UU.

Pero además, la salsa representa para Cali una importante industria económica y un producto de exportación que en gran medida contribuye al turismo y a su reconocimiento mundial. Existen empresas que se dedican a la fabricación de instrumentos musicales propios de la salsa y más de 400 discotecas que constituyen un importante atractivo turístico. Del mismo modo, se realizan diferentes eventos como la Feria de Cali, que se realiza en época de Navidad, donde se presentan las mejores orquestas de salsa del mundo.

Al mejor estilo de Rio de Janeiro, Cali tiene también un “salsódromo”, lugar donde se realiza un desfile único. En un tramo de 1 km, las escuelas locales bailan por las calles mostrando su talento. El público aprecia el desfile de salsa más grande del mundo desde las graderías ubicadas a lo largo del recorrido. El evento dura cinco horas y toma seis meses de preparación.

SAMBA

La samba es sin dudas la música nacional del Brasil, un estilo que actualmente ha recibido muchas fusiones y es muy variado. Los orígenes de este género deben retraerse al África previa a la época en que sus habitantes fueran esclavizados y llevados a América, específicamente en Angola. Aquellos orígenes musicales fueron llevados a Brasil por los africanos y el estilo comenzó a difundirse.

Hay que hacer una salvedad y es que no debe confundirse la samba brasilera con la zamba, que es un ritmo típico del norte argentino.

A comienzos del siglo XX el ritmo de la samba se comenzó a expandir fuertemente en Río de Janeiro, por aquel entonces capital del país. Provenía de Bahía, donde existía la mayor descendencia africana, y en la capital comenzó a perfeccionarse y delimitarse como género musical.

Se considera que la primera grabación de samba corresponde al tema "Pelo Telefone", interpretado por Donga y Mauro Almeida en 1917. El éxito del nuevo estilo musical fue rotundo y comenzó a ser escuchado por todas las clases sociales.

Llegados los años 30’ nace el título de ‘escuela de samba’ (escola de samba), gracias a un grupo de músicos que formó ‘Deixa falar’ bajo la dirección de Ismael Silva.

La escuela de samba era una transformación del sonido inicial con el fin de que se acoplase mejor al desfile de carnaval de la ciudad. Por aquel entonces la samba era la música del momento y el presidente Getúlio Vargas decidió dar su apoyo para que se difundiese en todo el país.

Antes de continuar debemos marcar una diferencia que suele confundirse cuando se habla de la samba en la actualidad. Suele creerse, inclusive afirmarse, que la samba y el jazz tienen importantes semejanzas y que el primero proviene del segundo. Esto es totalmente falso y es muy simple encontrar las diferencias de origen y el desarrollo diferente que han tenido a lo largo de su vida.

Luego del importante puntapié que le dio el entonces presidente al género, en los siguientes años éste comenzó a diseccionarse hacia destinos muy variados.

Ritmos y estilos de la samba

La samba adoptó diferentes ritmos a medida que se iba expandiendo por todo el territorio brasileño y así fueron creándose novedosos estilos musicales.

El primero y quizá el más importante fue la bossa nova, en sus comienzos una alternativa musical creada por los inmigrantes europeos de clase media. A mediados del siglo XX este estilo comenzó a ganar enorme popularidad y emigró a Norteamérica. João Gilberto y Antônio Carlos Jobim, principalmente, fueron los encargados de esta importante difusión.

En la década de los años 60’ se divulgó con mucho énfasis la bossa nova surgida de las favelas y con tendencias políticas de izquierda, la cual era interpretada entre otros por Velha Guarda da Portela, Nelson Cavaquinho, Zé Keti, Cartola y Clementina de Jesus.

La década de 1970 fue una de las más fructíferas del género con la aparición de artistas como Beth Carvalho, Clara Nunes y Martinho da Vila.

Comenzando los años 80’ la nueva ola musical generada por el rock y la música disco había relegado a la samba del circuito. Era necesaria una nueva revolución y entonces la samba ingresa en una profunda renovación que hace puerto en un nuevo estilo musical que se denominó pagode y surgió entre las clases desposeídas de Río de Janeiro.

El nuevo estilo incorporaba nuevos instrumentos como el banjo pequeño (contaba con las mismas dimensiones y tonalidad que el cavaquinho), el tantan (un surdo más dinámico) y el repique de mão (sonido manual).

Historia de la samba del Brasil

El ritmo se convirtió en la forma más difundida y representativa de la samba brasileña y su precursor fue Grupo Fundo de Quintal. Otros importantes artistas del genero han sido desde siempre Zeca Pagodinho, Seba Pastelero, Jorge Aragão, Almir Guineto y Revelação.

Actualmente dentro de la samba se distinguen los siguientes ritmos:

• Neopagode
Originaria de Bahía, sus letras hacen hincapié en el sexo lo cual ha llevado a que las tonalidades de voz sean más suaves. Los grupos más reconocidos son Terra Samba y É o Tchan.

• Samba-enredo
Es puesta en práctica por las escuelas de samba y ejecuta vocalistas masculinos que son acompañados por el clásico cavaquinho y la gran batería que conforma una bazucada. Los más famosos representantes son Martinho da Vila, Neguinho da Beija Flor y Jamelão.

• Otros estilos y fusiones que han surgido son Samba-Reggae, Samba de Roda (Bahía) o Jongo (Río de Janeiro), entre otros que fusionan el Funk, Jazz, Hip Hop y otros géneros.

Como danza oficial de Brasil, la samba es la gran protagonista del carnaval, principalmente del carnaval carioca. Aprende a bailar samba al estilo brasleño para sumarte a los festejos populares como un brasilero más.

Vestimenta de la samba

La vestimenta típica de las bailarinas de samba es tan sensual y exuberante como la propia danza. Durante los desfiles de carnaval, las bailarinas llevan trajes pequeños, generalmente de dos piezas, un bikini adornado con piedras, flecos y lentejuelas.

Dependiendo de la temática y diseño de cada traje, se suelen incorporar plumas y adornos a los hombros, unidos al corpiño. Las más audaces, sin embargo, optan por dejar el torso descubierto, sin sostén, luciendo el cuerpo maquillado con la técnica de body painting. Sin embargo, las reglas para la parte inferior son precisas: para desfilar en el Carnaval de Rio, la tanga debe medir por los menos 4 centímetros. 

El traje de la bailarina se completa con dos accesorios fundamentales: el casco en la cabeza con plumas de colores, y los tacones, generalmente superando los 10 centímetros de alto, ornamentados a juego con el vestuario. Para agregar más espectacularidad, muchas bailarinas llevan plumas en la espalda, como si fuesen grandes alas de colores. Los trajes también se complementan con brazaletes, tobilleras y cinturones. El brillo, la provocación, el color y la majestuosidad son el rasgo característico de estos trajes. Las Escolas do Samba ponen mucho énfasis en la presentación del vestuario de samba para arrasar en los concursos de carnaval.

En cuanto al vestuario de samba para hombres, las opciones son variadas. Por lo general, llevan el torso desnudo, con pantalones frescos. Otras, acompañan la temática de la Escola do Samba, y lucen “taparrabos” étnicos con brillos y plumas. También se utilizan trajes más convencionales, con camisa y pantalón, similar al de otros estilos musicales tropicales como la salsa o el merengue.

Instrumentos de la samba

Si bien las fusiones de samba hacen que se incorporen los más variados instrumentos musicales provenientes de otros géneros, la samba tradicional con su sonido inconfundible tiene su base en ciertos instrumentos de percusión y cuerdas, la mayoría exclusivos de Brasil. Entre los instrumentos de samba con cuerdas, es paradigmático el cavaquinho, una especie de guitarra pequeña de cuatro cuerdas, proveniente de Portugal. También se utilizan otros tipos de guitarra para darle variedad a la música, realizando la conexión entre la armonía y el ritmo.

Los instrumentos de percusión, verdadera alma de la samba, confieren distintos matices rítmicos con sus sonidos, conformando las llamadas “baterías”. La marcación del tempo es realizada por el surdo, un gran tambor cilíndrico de metal o madera, de sonido grave. El repenique, de menores dimensiones, aporta los sonidos más agudos y toma gran protagonismo al marcar los cortes.

El tamborim, tambor pequeño y plano, suaviza los ritmos de los instrumentos anteriores con un matiz aún más agudo. La batería no está completa sin el pandeiro y la pandereta, a los cuales se suman los representativos agogô -campana doble considerada el instrumento más antiguo de la samba- y el rocar –especie de sonajero con  sonido alto, que aporta mucho brillo al conjunto musical-